SINOPSIS: En AMOS DEL UNIVERSO, el director Travis Knight lleva la legendaria franquicia de vuelta a la gran pantalla en esta épica aventura de acción real. Tras estar separados durante 15 años, la Espada del Poder lleva al príncipe Adam (Nicholas Galitzine) de vuelta a Eternia, donde descubre que su hogar ha sido destruido bajo el malvado dominio de Skeletor (Jared Leto). Para salvar a su familia y su mundo, Adam debe unir fuerzas con sus aliados más cercanos, Teela (Camila Mendes) y Duncan/Man-At-Arms (Idris Elba), y aceptar su verdadero destino como He-Man, el hombre más poderoso del universo.
Cast: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlotte Riley, con Kristin Wiig como la voz de “Roboto”, Jared Leto e Idris Elba
Dirigida por Travis Knight. Guión de Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y Dave Callaham. Historia de Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak y Michael Finch. Basada en AMOS DEL UNIVERSO de MATTEL. Producida por Todd Black, Jason Blumenthal, Robbie Brenner, Steve Tisch y DeVon Franklin. Productores ejecutivos: Ynon Kreiz, Bill Bannerman y David Bloomfield. Género: Ciencia ficción, acción y aventura. Clasificación: Aún sin clasificar.
En AMOS DEL UNIVERSO, el director Travis Knight lleva la legendaria franquicia de vuelta a la gran pantalla en esta épica aventura de acción real. Tras estar separados durante 15 años, la Espada del Poder lleva al príncipe Adam (Nicholas Galitzine) de vuelta a Eternia, donde descubre que su hogar ha sido destruido bajo el malvado dominio de Skeletor (Jared Leto). Para salvar a su familia y su mundo, Adam debe unir fuerzas con sus aliados más cercanos, Teela (Camila Mendes) y Duncan/Man-At-Arms (Idris Elba), y aceptar su verdadero destino como He-Man, el hombre más poderoso del universo.Cast: Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Alison Brie, James Purefoy, Morena Baccarin, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Charlotte Riley, con Kristin Wiig como la voz de “Roboto”, Jared Leto e Idris Elba Dirigida por Travis Knight. Guión de Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y Dave Callaham. Historia de Aaron Nee, Adam Nee, Alex Litvak y Michael Finch. Basada en AMOS DEL UNIVERSO de MATTEL. Producida por Todd Black, Jason Blumenthal, Robbie Brenner, Steve Tisch y DeVon Franklin. Productores ejecutivos: Ynon Kreiz, Bill Bannerman y David Bloomfield. Género: Ciencia ficción, acción y aventura. Clasificación: Aún sin clasificar.@AmazonMGMStudios @Mattel Instagram, X, Facebook: @MastersMovie TikTok: @MastersMovieOfficial #MastersOfTheUniverse
Ciudad de México, 21 de enero de 2026.- Cinépolis +QUE CINE presenta lapreventa de AURORA: What Happened To The Earth?, el debut cinematográfico de la artista noruega AURORA, una experiencia creada especialmente para revivir, desde la pantalla grande, una noche que marcó a miles de fans en México. La película captura el concierto más grande de su carrera como solista, realizado en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México ante más de 18 mil personas, y llegará a salas a partir del 4 de marzo, distribuida por Trafalgar Releasing en colaboración con Mercury Studios y Fontana.
Un concierto convertido en ritual colectivo
Filmado durante el Día de Muertos y remasterizado en impresionante resolución 4K, AURORA: What Happened To The Earth? transforma uno de los recintos más emblemáticos del país, en un espacio de conexión profunda entre música, emoción y comunidad. La atmósfera visual y sonora del concierto envuelve al espectador en una experiencia inmersiva que permite revivir la energía y la cercanía que se generó entre AURORA y su público mexicano.
Dirigida por Gonzalo Lopez, la película reúne algunos de los momentos más memorables del show, con interpretaciones de canciones clave como Runaway, The Seed, Churchyard, Exist for Love y Dreams, mostrando la sensibilidad, fuerza escénica y mensaje que han convertido a AURORA en una de las voces más singulares del pop alternativo actual.
Una conexión especial con su comunidad en México
Además del espectáculo en vivo, el filme incluye entrevistas exclusivas con fans de distintas partes del mundo, entre ellos seguidores mexicanos, que reflejan la conexión cercana que existe entre la artista y su comunidad, conocida como los Warriors and Weirdos. Para AURORA, México representa un espacio de escucha, respeto y entrega emocional, un vínculo que quedó plasmado en esta película como testimonio del encuentro entre artista y público.
“En 2024 hice el show más grande de toda mi carrera en México. Fue un sueño hecho realidad. A pesar de la cantidad de gente, se sentía íntimo. Todas esas personas reunidas solo por amor a la música”, comparte AURORA sobre la noche que dio origen a este proyecto cinematográfico.
AURORA: una voz global con mensaje propio
Con más de 10 mil millones de reproducciones acumuladas y una carrera reconocida tanto en Noruega como a nivel internacional, AURORA ha sido galardonada con múltiples Spellemann Awards, considerados los premios más importantes de la música en su país, además del P3 Prize por su impacto musical y un EBBA Award por su proyección global. Recientemente recibió el Contemporary Music Award en los Silver Clef Awards 2025 y fue incluida en la lista Forbes 30 Under 30. Con cuatro álbumes de estudio y una gira mundial que superó los 300 mil boletos vendidos, se ha consolidado como una de las artistas más originales y respetadas del pop alternativo contemporáneo.
La preventa Cinépolis para AURORA: What Happened To The Earth? iniciará el jueves 22 de enero de 2026 a partir de las 8:00 a.m., a través de www.cinepolis.com y la App oficial de Cinépolis. El contenido estará disponible en 45 complejos Cinépolis de 20 ciudades de México, como: CDMX, Guadalajara, Monterrey, Aguascalientes, Morelia, Puebla, Veracruz, entre otras.
Compra tus boletos a partir del 22 de enero en Cinépolis y vive el increíble concierto de AURORA en la Ciudad de México.
El próximo jueves 29 de enero llega a los cines ¡AYUDA!, un nuevo thriller psicológico y de humor negro dirigido por Sam Raimi, el reconocido realizador detrás de la icónica franquicia de terror THE EVIL DEAD, la trilogía de películas SPIDER-MAN y la película de Marvel Studios DOCTOR STRANGE EN EL MULTIVERSO DE LA LOCURA. Conocido por sus singulares técnicas de cámara, y el humor y la ironía que supo inyectar al género de terror, Raimi regresa a la pantalla grande con una nueva historia tan divertida como intrigante.
En un contenido especial, los protagonistas de la película, Rachel McAdams y Dylan O’Brien, revelan detalles de la historia y la visión del director.
LINDA ESTÁ BASTANTE MOLESTA”
¡AYUDA! se centra en Linda Liddle (Rachel McAdams) y Bradley Preston (Dylan O’Brien), dos colegas de una consultora en la que ella se desempeña en el área de Estrategia y Planeamiento y él es el nuevo jefe. Linda es candidata a un esperado ascenso prometido por su difunto jefe, pero cuando Bradley toma las riendas de la compañía, ese ascenso queda en el olvido. “Linda está bastante molesta”, resume la actriz Rachel McAdams en el nuevo contenido especial.
Sin embargo, una desgracia con suerte cambia drásticamente el curso de los acontecimientos. Tras un accidente aéreo, Linda y Bradley son los únicos sobrevivientes y quedan varados en una isla desierta. “Se produce una especie de cambio de roles”, comenta Dylan O’Brien.
“YA NO ESTAMOS EN LA OFICINA”
“Ya no estamos en la oficina”, dice McAdams en eltráiler. El nuevo escenario provoca un drástico cambio en la relación de poder entre ambos y Linda, con sus extraordinarias habilidades de supervivencia, se vuelve esencial para que puedan salir de esa catastrófica situación con vida. “De repente, están en un lugar donde todas sus habilidades valen algo. Es el paraíso para ella. Es un infierno para Bradley”, señala McAdams en el video.
Poco a poco, el naufragio se convierte en una batalla inquietante de voluntades e ingenio para salir con vida de la isla, que lleva el sello inconfundible de las historias de Sam Raimi.
“NADIE LO HACE COMO SAM RAIMI”
“Nadie lo hace como Sam Raimi”, asegura el actor Dylan O’Brien en el video, en referencia a la visión innovadora y desafiante de géneros por la que es reconocido el realizador. Y sus palabras hacen eco en el resto del elenco. “La película tiene todas las grandes cualidades de Sam. En particular, el humor negro”, agrega McAdams.
Ciudad de México, 20 de enero de 2026– Cinépolis inicia el 2026 con dos grandes historias llenas de emoción, que llegarán a salas nacionales con Garantía Cinépolis:
Hamnet distribuida por Universal Pictures
Esta película llega bajo la dirección de Chloé Zhao (Nomadland, 2020), con Jessie Buckley (The Lost Daughter, 2021) y Paul Mescal (Aftersun, 2022) como protagonistas. La cinta adapta la aclamada novela homónima de Maggie O’Farrell, quien participa como coguionista, y construye un relato íntimo sobre el amor, la pérdida y el duelo tras la muerte del hijo de William Shakespeare.
Desde una mirada sensible y profundamente humana, Zhao articula la historia alejándose del retrato biográfico tradicional, para concentrarse en la experiencia íntima del duelo. La película retrata cómo la pérdida transforma la vida doméstica, los vínculos familiares y el proceso creativo, estableciendo un diálogo silencioso entre la memoria personal y la creación artística.
A través de una narrativa contenida y contemplativa, la obra se construye a partir de silencios, gestos mínimos y rituales cotidianos que refuerzan su tono reflexivo. El mundo visual, creado por la diseñadora de producción Fiona Crombie (The Favourite, 2018), recrea la Inglaterra isabelina desde una estética orgánica y vivida, con espacios que se perciben habitados, imperfectos y reales. Fue grabada en locaciones del Reino Unido, incluyendo pueblos históricos y entornos rurales utilizados para recrear Stratford-upon-Avon (ciudad histórica de Inglaterra donde nació Shakespeare), así como para el Globe Theatre original (destruido por un incendio en 1613 y posteriormente desapareció); que funciona como un punto simbólico donde la experiencia íntima del duelo se conecta con la dimensión pública de la creación artística.
Durante la temporada de premios 2026, Hamnet fue reconocida con el Golden Globe a Mejor Película de Drama; por su parte, Jessie Buckley obtuvo el de Mejor Actriz en Película de Drama, así como el Critics Choice Award en la misma categoría, consolidando la fuerza emocional de la cinta y el impacto de su propuesta autoral.
¡Ayuda! (Send Help) distribuida por Disney
Protagonizada por Rachel McAdams (Spotlight, 2015) y Dylan O’Brien (The Maze Runner, 2014), y dirigida por Sam Raimi (Spider Man, 2002), la película es un thriller de supervivencia con humor negro y tensión psicológica que sitúa a sus personajes en un escenario extremo. Tras un accidente aéreo, una empleada brillante y su jefe, un CEO complejo y dominante, quedan varados en una isla desierta, obligados a cooperar mientras arrastran jerarquías y conflictos propios del entorno corporativo.
A partir de esta situación límite, la trama explora las relaciones humanas bajo presión, utilizando el conflicto físico y emocional como metáfora del mundo laboral contemporáneo. La presión constante, competencia y necesidad de colaboración reconfiguran la dinámica entre ambos personajes, exponiendo luchas de poder, dependencia y control que evolucionan conforme la supervivencia se convierte en prioridad.
Con guion de Damian Shannon y Mark Swift (Freddy vs. Jason, 2003), y un equipo creativo encabezado por Bill Pope (The Matrix, 1999) en cinematografía, Bob Murawski (The Hurt Locker, 2008) en edición y Danny Elfman (Batman, 1989) en música, ¡Ayuda! construye una experiencia intensa en la que el suspenso surge tanto del entorno físico como de la evolución emocional de sus protagonistas. Además, fue grabada en Australia, la isla se construye a partir de paisajes naturales que refuerzan su carácter hostil y narrativamente activo funcionando como una amenaza constante y acentuando el aislamiento,
Bajo el sello de Garantía Cinépolis, Hamnet y ¡Ayuda! destacan por la solidez de sus historias, la calidad de sus producciones y el impacto emocional de sus propuestas. Ambos estrenos refuerzan el compromiso de Cinépolis por ofrecer al público películas que conectan con distintas audiencias.
Consulta los términos y condiciones vigentes de GarantíaCinépolis, en donde también puedes consultar los títulos y próximos estrenos con el sello: https://cinepolis.com/mx/garantia-cinepolis
Compra tus boletos a través del sitio web o la App de Cinépolis.
Ciudad de México 18 enero, 2026 — Una noche llena de acción, glamour y emoción se vivió durante la premiere de la película “Sin Piedad”, que tuvo lugar anoche en el centro comercial Mitikah. El evento contó con la presencia estelar de Chris Pratt, acompañado por Kali Reis, el director Timur Bekmambetov, así como los productores de la película Chuck Roven, Robert Amidon y Majd Nassif, quienes desfilaron por la alfombra roja y convivieron con fans y prensa.
Sin Piedad estará disponible de forma exclusiva en todas las salas de cine mexicanas a partir del 22 de enero.
Sinopsis: En un futuro cercano, un detective (Chris Pratt) es llevado a juicio, acusado de asesinar a su esposa. Tiene 90 minutos para demostrar su inocencia ante la avanzada Juez IA (Rebecca Ferguson), a la que él mismo defendió en su día, antes de que ésta decida su destino.
Ciudad de México, 16 de enero 2026.-Joe Keery se posiciona como una de las figuras más versátiles de su generación con Alerta Extinción, su próxima película de acción distribuida por Imagem Films MX, que llegará a los cines de México el 29 de enero de 2026.
Reconocido mundialmente por su papel como Steve Harrington en Stranger Things, Keery continúa expandiendo su carrera más allá del fenómeno televisivo. En Alerta Extinción, el actor se sumerge en una historia donde la tensión, la acción y el humor conviven al límite, consolidando una etapa creativa marcada por la reinvención y la solidez actoral.
En la película, Joe Keery interpreta a Travis, un joven que se ve arrastrado a una misión que escala rápidamente hacia el caos cuando una amenaza biológica altamente peligrosa escapa de control. Acompañado por Liam Neeson y Georgina Campbell, su personaje enfrenta un escenario extremo donde la acción de alto riesgo convive con un tono irónico y contemporáneo, y en el que sobrevivir exige algo más que fuerza: ingenio, reflejos y la capacidad de reaccionar cuando todo parece perdido.
Este proyecto llega en un momento clave en la carrera de Keery. Mientras su trabajo en plataformas lo ha convertido en parte de un fenómeno global que ha marcado a toda una generación, el actor también ha construido una identidad sólida en la música bajo el nombre de DJO, proyecto con el que ha conectado con audiencias internacionales gracias a una propuesta sonora sofisticada y envolvente.
Como DJO, Joe Keery se ha consolidado como una de las figuras más interesantes del pop alternativo actual, con una mezcla de synth-pop y psicodelia moderna que dialoga con influencias setenteras y ochenteras. El impacto de temas como End of Beginning reforzó su perfil como artista completo y confirmó una conexión especial con el público. En ese contexto, su participación en la próxima edición del Tecate Pa’l Norte, así como sus próximas presentaciones en Guadalajara y Ciudad de México, subrayan su cercanía con México, país donde su trabajo —tanto en la pantalla como en la música— ha encontrado una audiencia especialmente entusiasta.
Alerta Extinción se perfila como una de las producciones que marcarán el arranque de 2026 en la pantalla grande. Con Liam Neeson y Joe Keery al frente, la película ofrece una experiencia pensada para disfrutarse en salas y llevar al público al límite de la tensión.
Sinopsis
Cuando un hongo altamente peligroso escapa de un laboratorio secreto, Robert Quinn (Liam Neeson) —un exagente de bioterrorismo que preferiría estar en cualquier otro lugar— es obligado a volver a la acción. Junto a Travis (Joe Keery) y Naomi (Georgina Campbell), dos jóvenes claramente mal pagados para enfrentar un apocalipsis, deberá contener una amenaza microscópica que se expande sin control. En una carrera contrarreloj llena de caos, ironía y decisiones cuestionables, el trío descubrirá que salvar al mundo es un trabajo mucho más complicado de lo que imaginaban.
Ciudad de México, 15 de enero de 2026. — Con motivo del aniversario luctuoso de David Lynch, que se conmemora el 16 de enero, Cinépolis +QUE CINE anuncia el regreso del ciclo Los Sueños de Lynch, una curaduría especial que reúne nueve largometrajes fundamentales de uno de los cineastas más influyentes y singulares de la historia del cine, y que llegará nuevamente a salas seleccionadas durante febrero de 2026.
Director, guionista, productor, artista visual y músico, David Lynch construyó una obra profundamente personal que desafió las convenciones del cine tradicional. Su universo creativo e inquietante, redefinió la forma de contar historias en la pantalla grande, explorando temas como la identidad, el subconsciente, la dualidad del bien y el mal, y las tensiones ocultas bajo la aparente normalidad de la vida cotidiana.
A lo largo de su carrera, Lynch fue reconocido con algunos de los máximos honores de la industria, entre ellos el León de Oro honorífico del Festival de Cine de Venecia y un Premio Oscar honorario por su trayectoria. Su filmografía, que abarca desde el cine experimental hasta relatos profundamente humanos, ha dejado una huella indeleble en el cine contemporáneo y continúa influyendo a nuevas generaciones de creadores y espectadores alrededor del mundo.
En este contexto, Los Sueños de Lynch propone un recorrido por distintas etapas creativas del autor, invitando al público a redescubrir su obra en la experiencia inmersiva de la sala de cine, donde su lenguaje visual y sonoro alcanza su máxima expresión.
La trayectoria de David Lynch se distingue por una serie de obras que marcaron momentos clave en la evolución del cine y la televisión contemporáneos. Su filmografía fue construyendo un universo reconocible y disruptivo. Títulos como Mulholland Drive (2001) e Inland Empire (2006) reafirmaron su interés por explorar narrativas fragmentadas y experiencias cinematográficas que desafían al espectador.
Las películas que regresan al ciclo son:
Blue Velvet (1986)
El hallazgo de un oído humano conduce a Jeffrey (Kyle MacLachlan) a una investigación que lo sumerge en un mundo de secretos, deseo y violencia, junto a la misteriosa Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) y el perturbador Frank Booth (Dennis Hopper). El filme obtuvo el Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Toronto y le valió a Lynch una nominación al Oscar como Mejor Director.
Eraserhead (1977)
Henry Spencer (Jack Nance), un joven introvertido y atormentado, enfrenta una serie de pesadillas que se intensifican tras descubrir que se ha convertido en padre de un bebé prematuro e inhumano. Considerada una obra de culto, esta ópera prima marcó el inicio de David Lynch como uno de los autores más singulares del cine.
Inland Empire (2006)
Una propuesta radical y experimental en la que una actriz (Laura Dern) comienza a perder la noción entre su vida y el personaje que interpreta. Aclamada por la crítica, reafirma la faceta más arriesgada del cineasta.
Lost Highway (1997)
Un relato fragmentado y enigmático sobre la identidad, la culpa y la transformación, donde un músico acusado de asesinato experimenta un giro inexplicable en su existencia. La película fue reconocida en el Festival de Sitges por la audacia de su dirección.
Mulholland Drive (2001)
Una aspirante a actriz y una mujer con amnesia se adentran en un misterio donde el glamour de Hollywood convive con lo onírico y lo perturbador. Considerada una de las mejores películas del siglo XXI, le otorgó a Lynch el premio a Mejor Director en Cannes.
Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
Precuela de la icónica serie Twin Peaks, la película explora los días previos al asesinato de Laura Palmer y profundiza en el lado más oscuro del universo creado por Lynch. Con el tiempo, se ha consolidado como una obra de culto.
The Elephant Man (1980)
El doctor Frederick Treves (Anthony Hopkins) descubre en un circo a John Merrick (John Hurt), un hombre con severas deformidades físicas sometido a constantes humillaciones. La película recibió ocho nominaciones al Premio Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y consolidó el reconocimiento internacional de Lynch.
The Straight Story (1999)
Basada en hechos reales, narra el viaje de Alvin Straight (Richard Farnsworth), quien recorre cientos de kilómetros en una podadora para reconciliarse con su hermano. La cinta recibió una nominación al Oscar a Mejor Actor.
Wild at Heart (1990)
Sailor (Nicolas Cage) y Lula (Laura Dern) emprenden una fuga apasionada mientras son perseguidos por fuerzas criminales contratadas por la madre de ella. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes, esta cinta es una de las más intensas y viscerales del director.
Con el regreso de este ciclo, Cinépolis +QUE CINE invita al público a descubrir o revivir en pantalla grande una selección que traza un mapa esencial del universo lynchiano y confirma por qué su cine sigue generando fascinación y conversación en nuevas generaciones.
Consulta la disponibilidad en cada complejo y compra tus boletos para Los Sueños de Lynch próximamente, a través de www.cinepolis.com y la App oficial de Cinépolis.
FAMILIA EN RENTA, la nueva película protagonizada por Brendan Fraser (LA BALLENA) llegó a los cines para transportar a las audiencias en un viaje transformador por uno de los destinos más fascinantes del mundo: Japón. En la historia, Fraser da vida a Phillip, un actor desempleado que vive en Tokio y consigue trabajo en una agencia de “familias de alquiler”, un servicio ampliamente difundido en el país que consiste en la contratación de actores para interpretar diversos roles sustitutos en las vidas de clientes.
Rodado íntegramente en Japón, con un equipo y un elenco mayoritariamente japoneses, el film de la realizadora japonesa HIKARI invita a descubrir el país desde adentro y con una autenticidad única.
EL EQUIPO ENFRENTÓ DESAFÍOS LOGÍSTICOS AL FILMAR EN TOKIO
El compromiso inquebrantable de HIKARI de rodar la película en Japón presentó desafíos únicos para los equipos técnicos y creativos, especialmente teniendo en cuenta que Tokio cuenta con más de 14 millones de habitantes en sus zonas céntricas. Los desplazamientos, a su vez, eran particularmente lentos. A veces, el tiempo de traslado entre dos locaciones relativamente cercanas podía llegar a superar las dos horas.
Respecto de Tokio, el productor Eddie Vaisman señala:
“Es tan ruidosa y, tan tranquila y pacífica al mismo tiempo. La combinación de estas dos energías tan diferentes confluye las 24 horas, los 7 días de la semana”.
El equipo creativo tomó esta singularidad de la ciudad y la volcó a la historia, honrando a Japón y su encuentro permanente entre lo tradicional y lo moderno.
EL ELENCO Y EL EQUIPO DE PRODUCCIÓN JAPONESES APORTARON AUTENTICIDAD A LA REPRESENTACIÓN DE COSTUMBRES Y COMPORTAMIENTOS
En línea con esta búsqueda de autenticidad, el equipo también se apoyó fuertemente en el elenco y el equipo de producción, ambos mayoritariamente japoneses. A través de ellos, garantizaron de que las costumbres y los comportamientos que se ven en el film fueran completamente fieles a la cultura japonesa. Incluso, la mitad de los diálogos de la película son en japonés.
“La parte desafiante fue asegurarnos de que la historia se mantuviera anclada en la realidad y fuera fácil de identificarnos con ella, sin que el idioma nos apartara de ella”, comenta Vaisman.
ALGUNAS AGENCIAS DE FAMILIAS DE AQUILER REALES COLABORARON CON LA PRODUCCIÓN
En preparación para el rodaje de FAMILIA EN RENTA, algunos miembros del elenco conversaron con personas que trabajan en agencias de familias en renta reales, con el objetivo de recabar anécdotas, observaciones y reflexiones en torno a este negocio popularizado en Japón. Takehiro Hira, quien interpreta al dueño de la agencia de la película, quedó especialmente conmovido con la historia de una anciana que contrató a un actor para que durmiera en el cuarto de huéspedes de su casa, de manera de no sentirse sola por las noches.
“Cuando escuché esa historia, de inmediato pensé en mi madre viviendo sola en Tokio a sus ochenta años. Me pregunté si alguna vez se sentiría tan sola como para estar más segura teniendo a una persona extraña durmiendo en la habitación de al lado”, relata el actor.
LA DIRECTORA PRESTÓ ESPECIAL ATENCIÓN AL USO DEL COLOR EN LA PELÍCULA
Antes de desempeñarse como directora, HIKARI trabajó como fotógrafa y directora de fotografía. Esta formación llevó a la realizadora a prestar especial atención a la estética específica de sus películas.
“Soy una persona muy visual. Soy exigente con lo que quiero que diga una película y cómo quiero decirlo. Si un solo plano puede acercar al público a un personaje o provocar una emoción genuina —aunque sea solo por un instante—entonces siento que logré algo”, dice HIKARI.
En FAMILIA EN RENTA, la historia está apoyada en el uso del color para marcar cambios en el estado de ánimo del protagonista. Al comienzo, cuando Philip se encuentra aislado y desesperanzado, predominan los tonos azules. A medida que su mundo se expande y comienza a conocer más personas a través de su nuevo trabajo, su entorno literalmente se ilumina y empiezan a irrumpir los colores vibrantes en la imagen.
LA MÚSICA POTENCIA LA EMOCIÓN Y LA BELLEZA DE LA HISTORIA
Para realzar la emocionalidad y la riqueza estética del film a través de la música, HIKARI convocó a una dupla muy especial: los artistas islandeses Jónsi y Alex Somers. Jónsi, vocalista de la agrupación post punk Sigur Rós, se destaca por sus composiciones acústicas experimentales, frágiles y melancólicas.
A la hora de colaborar con los artistas, la realizadora no dudó en darles total libertad creativa, segura de que el resultado sería extraordinario. No se equivocó: Jónsi y Somers compusieron melodías conmovedoras. El dúo, incluso, fue más allá y creó una pequeña pieza vocal dentro de la banda sonora, acompañada de cuerdas, piano, arpa y chelo.
“Superaron mis expectativas de la manera más hermosa. En cada sonido se siente realmente una historia, un aprendizaje. Fue una colaboración increíble”, asegura HIKARI.
Ciudad de México, 14 de enero de 2026.- Mañana, 15 de enero, inicia la preventa Cinépolis para Infinite Icon: Una Memoria Visual, el documental que lleva a la pantalla grande el retrato más íntimo y honesto de Paris Hilton, como parte de la cartelera de Cinépolis +QUE CINE.
La película propone una mirada emocional a la figura que transformó la cultura pop contemporánea, explorando su relación con la fama, la música y la construcción de su propia narrativa, a través de material inédito, archivos personales y una aproximación visual cercana y personal.
Infinite Icon: Una Memoria Visual podrá vivirse en salas únicamente el 29 y 31 enero de 2026, ofreciendo una experiencia cinematográfica que invita a mirar más allá del ícono.
Asegura tu lugar desde la preventa Cinépolis y conoce más sobre la vida de una de las celebridades más icónicas. Este estreno estará disponible en 100 complejos Cinépolis de 46 ciudades de México como CDMX, Guadalajara, Monterrey, Querétaro, Tijuana, Morelia, Hermosillo, Puebla, Xalapa, Mérida, entre otras.
